Ray Charles enregistre "What'd I Say" chez Atlantic Records

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L'appel téléphonique que Ray Charles a passé à Atlantic Records au début de 1959 ressemblait à ceci : les gens deviennent fous à chaque fois que nous le jouons, et je pense que nous devrions l'enregistrer. La chanson à laquelle Ray Charles faisait référence était "What'd I Say", qui est devenu l'un des plus grands disques de rhythm and blues jamais réalisés. Composé spontanément par pure nécessité du showbiz, "What'd I Say" a été enregistré ce jour-là en 1959, dans les studios d'Atlantic Records à New York.

La nécessité qui a poussé Ray Charles à inventer « What’d I Say » était simple : la nécessité de remplir le temps. Dix ou 12 minutes avant la fin d'une performance de quatre heures contractuellement requise lors d'un bal à Pittsburgh un soir, Charles et son groupe étaient à court de chansons à jouer. "Alors j'ai commencé à nouiller - juste un petit riff qui a flotté dans ma tête", a expliqué Charles de nombreuses années plus tard. "Une chose en a entraîné une autre et je me suis retrouvé à chanter et à vouloir que les filles répètent après moi… Ensuite, je pouvais sentir toute la pièce rebondir et trembler et continuer quelque chose de féroce."

Qu'est-ce qui a tant captivé le public au bal de Pittsburgh ce soir-là et le reste de l'humanité depuis lors dans "What'd I Say" ? Charles a toujours pensé que c'était le son de son piano électrique Wurlitzer, un instrument très inconnu à l'époque. D'autres diraient que c'était l'appel et la réponse dans le pont de la chanson - tous unnnh et oooh et d'autres sons que l'on ne trouve généralement pas sur le disque pop moyen de 1959. Quoi qu'il en soit, cela a assez bien fonctionné pour devenir le dernier numéro de Charles de cette nuit à Pittsburgh jusqu'à son dernier spectacle.

« Vous les commencez, vous les faites d'abord taper du pied. La prochaine fois, ils ont mis la main dessus, et la prochaine chose, ils ont ouvert la bouche et ils crient, et ils chantent et ils crient. C'est un sentiment formidable quand vous avez votre public impliqué avec vous.


Ray Charles enregistre "What'd I Say" chez Atlantic Records

La nécessité qui a poussé Ray Charles à inventer « What’d I Say » était simple : la nécessité de remplir le temps. Dix ou 12 minutes avant la fin d'une performance de quatre heures contractuellement requise lors d'un bal à Pittsburgh un soir, Charles et son groupe étaient à court de chansons à jouer. "Alors j'ai commencé à nouiller - juste un petit riff qui a flotté dans ma tête", a expliqué Charles de nombreuses années plus tard. « Une chose en a entraîné une autre et je me suis retrouvé à chanter et à vouloir que les filles répètent après moi…. Ensuite, je pouvais sentir toute la pièce rebondir et trembler et continuer quelque chose de féroce. »

Qu'est-ce qui a tant captivé le public au bal de Pittsburgh ce soir-là et le reste de l'humanité depuis lors dans "What'd I Say" ? Charles a toujours pensé que c'était le son de son piano électrique Wurlitzer, un instrument très inconnu à l'époque. D'autres diraient que c'était l'appel et la réponse dans le pont de la chanson - tous unnnh et oooh et d'autres sons que l'on ne trouve généralement pas sur le disque pop moyen de 1959. Quoi qu'il en soit, cela a assez bien fonctionné pour devenir le dernier numéro de Charles de cette nuit à Pittsburgh jusqu'à son dernier spectacle.

« Vous les démarrez, vous les obtenez d'abord en tapant du pied. La prochaine fois, ils ont mis la main dessus, et la prochaine chose, ils ont ouvert la bouche et ils crient, et ils chantent et ils crient. C'est un sentiment formidable quand vous avez votre public impliqué avec vous.

"What'd I Say" a été un succès infaillible auprès du public et des acheteurs de disques. C'était un hit R&B n°1 pour Ray Charles en 1959 et un hit pop n°6 aussi—son premier hit crossover de bonne foi, mais certainement pas le dernier.


Pistes classiques : Ray Charles’“What’d I Say”

Avec une carrière s'étalant sur plus de cinq décennies et des dizaines de succès dans plusieurs genres, choisir un single "Classic Tracks" de Ray Charles est un défi de taille - le single révolutionnaire "I Got a Woman" ou les styles country de "I Can’t Arrêter de t'aimer"? L'une des grandes productions de Sid Feller du début des années 󈨀, comme "Georgia on My Mind", ou la version immortelle de Ray’s sur "America the Beautiful", ce qui me fait pleurer même pensée à propos de ça? Que diriez-vous du single de Ray Charles que j'ai acheté à l'âge de huit ans, "Hit the Road, Jack?" Il est toujours joué sur le P.A. dans divers stades de baseball lorsqu'un lanceur adverse se fait tirer dessus : « C'est vrai, appuyez sur la route Jack, et ne revenez plus… » Finalement, j'ai décidé cela parce que la principale fonctionnalité « Notes d'enregistrement » de ce mois avec la fin de la carrière légendaire de Charles, les "Classic Tracks" devraient traiter du début, ou à tout le moins, de sa période fertile Atlantic Records. "What’d I Say" a été la première chanson de Ray Charles à figurer dans le Top 10 des charts pop, et cela a aidé à transformer le chanteur d'un phénomène R&B à quelqu'un qui a été adopté par le grand public, même lorsqu'il est devenu genre- sautillant.

Les premiers enregistrements de Charles (dans le cadre du Maxine Trio) ont été réalisés pour le label Downbeat en 1949. Au début des années 󈧶, sous son propre nom, il a enregistré une paire de tubes R&B du Top 10 avec « Baby Let Me Hold Your Hand" et "Kiss Me Baby" sur le label Swingtime. En 1954, cependant, il a signé un accord avec Atlantic Records, basé à New York, attiré par l'enthousiasme des patrons de label Ahmet Ertegun et Jerry Wexler, et encouragé par les succès de l'opération naissante avec Ruth Brown et Joe Turner. .

Au début des années 80, le style de Charles était plus proche du suave et jazzy Nat King Cole que des artistes R&B d'Atlantic, on peut dire que Charles a trouvé son style "mature" chez Atlantic, avec Ertegun et (principalement) la production de Wexler et l'ingénierie de Tom Dowd. Wexler a noté à propos de ses premières années chez Atlantic : « Nous ne savions rien à propos de faire des disques, mais nous nous amusions. » Mais cela vend le talentueux court métrage de Dowd, et comme l'histoire l'a montré, il n'y avait pas de meilleur endroit pour faire des disques à la fin des années 80 et au début des années qu'à Atlantic. Dowd utilisait plusieurs schémas de prise de son alors que de nombreux autres ingénieurs se limitaient encore à deux – un pour le groupe, un autre pour le chanteur – et il est passé à l'enregistrement stéréo plus tôt que la plupart.

Le premier succès R&B de Charles avec Atlantic est arrivé en 1954 avec "It Should’ve Been Me", mais c'était le mélange incendiaire R&B/gospel de "I’ve Got a Woman" (enregistré dans un studio de radio à Atlanta) ce qui suit année qui a vraiment mis Charles (et Atlantic) sur la carte et a conduit à une série d'autres singles populaires. Après le succès de « I’ve Got a Woman », Charles s'est récompensé en achetant une nouvelle Cadillac chaque année pendant les six années suivantes. Un guerrier de la route invétéré qui a voyagé avec un groupe de crack R&B/jazz qui comprenait les grands saxophonistes Hank Crawford et David "Fathead" Newman, Charles parcourait 100 000 miles et jouait jusqu'à 300 dates par an à la fin des années 821750, donc, naturellement, il voulait rouler de concert en concert style.

À cette époque, Charles jouait principalement dans des clubs et des danses, et il s'est rapidement taillé la réputation d'être l'un des artistes les plus excitants du circuit R&B. En 1958, il rejoint le groupe vocal The Cookies (eux-mêmes un groupe atlantique), changeant plus tard leur nom en The Raeletts. En fait, Charles’ premier enregistrement sérieux en duo, quelque 44 ans avant Le génie aime la compagnie, était avec The Cookies & Raeletts & Margie Hendrix sur "(Night Time Is) the Right Time" à la fin de 1958. C'était aussi l'année où Charles a déménagé à Los Angeles (de Dallas), où il vivrait pour le reste de sa vie après trois premières décennies itinérantes passées dans le Sud et le Nord-Ouest. Bien sûr, il va sans dire que « la route » était aussi sa maison.

Les choses allaient bien pour Charles professionnellement à cette époque, mais sa vie personnelle était un peu plus risquée. Un coureur de jupons notoire, il avait des amants sur la route pendant que sa femme restait à la maison, et il avait également une sérieuse habitude de déchets à la fin des années 80 et au début des années 821760. Dans son autobiographie, Frère Ray, Charles était étonnamment dédaigneux quant à l'impact de l'héroïne sur sa vie, mis à part la difficulté occasionnelle de marquer : « Une chose importante à propos de moi et de la drogue – je ne me suis jamais perdu, même juste après avoir tiré… J'ai fait mes concerts, j'ai chanté Mes chansons."

De retour chez Atlantic Records à New York en 1958, l'ingénieur Dowd s'est tourné vers l'avenir en convainquant Ertegun et Wexler d'acheter l'un des premiers enregistreurs 8 pistes fabriqués par Ampex, à une époque où les disques étaient encore massivement publiés en mono.

"Je me souviens quand on a parlé pour la première fois de 8 pistes", m'a dit Dowd dans un Mélanger interview en 1999. "J'ai dit:" Ce ne serait pas génial si nous avions 8 pistes parce qu'alors nous pourrions faire ceci et cela et cela. "Et [Ertegun et Wexler] ont dit:" Découvrez combien cela coûtera J'ai donc reçu un devis au téléphone et ils m'ont dit : "Eh bien, vas-y." Alors tout d'un coup, nous voici à l'automne 1957 et j'ai commandé une machine à 8 pistes. En y pensant, je me rends compte que je dois maintenant concevoir ou convertir la putain de console que je dois adapter à 8 pistes. Je ne pouvais pas commander [une nouvelle console] si ma vie en dépendait parce que personne ne savait de quoi je parlais !

«En janvier 󈧾, la nouvelle machine roule dans la porte. Une semaine plus tard, je l'ai connecté et j'enregistre. Il n'y a pas de différence dans notre approche de l'enregistrement, sauf que je le stocke différemment. Quand ils demandent que quelque chose soit joué, je le joue toujours en mono, je le mixe à la volée.

Dans la belle biographie de Michael Lydon, Ray Charles : l'homme et la musique, Dowd se souvient de la première fois qu'il a utilisé le 8 pistes pour l'une des sessions de Charles : le chanteur a presque sauté de sa chaise lorsqu'il a entendu la basse d'Edgar Willis isolée sur sa propre piste. Charles connaissait déjà assez bien les studios et l'ingénierie et était fasciné par ce nouveau développement. Dans ce qui a dû être une scène à voir, Dowd a ensuite mis la main de Charles sur la nouvelle console personnalisée du studio et lui a appris à utiliser le 8 pistes.

Ce mois-ci, "Classic Tracks" a été enregistré sur ce 8 pistes dans les vénérables studios de la 56e rue d'Atlantic le 18 février 1959. "Nous l'avons fait comme nous avons fait tous les autres : Ray, les filles et le groupe vivent dans le studio, pas d'overdubs », a déclaré Dowd à Lydon, « Trois ou quatre prises, c'était fait. Prochain!" Parmi les micros que Dowd utilisait généralement lors des sessions à cette époque, il y avait des RCA 44 et 77, des Western Electric 639-A et 633 « salières » et une paire de micros Emory Cooke fabriqués par MW Kellogg & Co. À la fin des années 821750, aussi, certains microphones Neumann faisaient leur apparition dans certains studios new-yorkais tels qu'Atlantic.

La chanson elle-même a une histoire intéressante derrière elle. Comme Charles l'a expliqué dans Frère Ray, « Il se trouve que nous jouions l'une de mes dernières danses, quelque part dans le Midwest, et j'avais encore 12 minutes à tuer avant la fermeture du plateau. Un concert typique de ce genre durait quatre heures, y compris un entracte de 30 minutes. Il était près d'une heure du matin, je me souviens, et nous avions joué tout notre livre. Il ne me restait plus rien à quoi je pouvais penser, alors j'ai finalement dit au groupe et aux Raeletts : « Écoutez, je vais faire l'imbécile, alors suivez-moi tous.

"Alors j'ai commencé à nouiller - juste un petit riff qui a flotté dans ma tête. Ça faisait du bien et j'ai continué. Une chose en a entraîné une autre et je me suis retrouvé à chanter et à vouloir que les filles répètent après moi… Ensuite, je pouvais sentir toute la pièce rebondir et trembler et continuer quelque chose de féroce. Après le spectacle, un flot de personnes a demandé à Charles où ils pouvaient acheter le disque de cette chanson que lui et le groupe avaient improvisé. solidifier l'arrangement. Charles était tellement excité par la chanson qu'il a appelé Wexler de la route pour lui en parler peu de temps après, lui et le groupe ont frappé New York et l'ont posé.

La chanson était assez inhabituelle pour son époque dans la mesure où le riff central hypnotique était joué sur un piano électrique. « Les musiciens se moquaient de moi en disant : « Qu'est-ce que tu vas faire avec ce jouet ? Cette petite chose ne peut rien faire », a déclaré Charles à NPR Robert Siegel en 2000. « Mais j'ai aimé le son et ce petit piano est vraiment ce qui a attiré l'attention du public.

Bien sûr, la chanson avait beaucoup plus de choses que le riff de piano. Il comportait une série de couplets simples et sans lien, des passages passionnants d'appel et de réponse avec The Raeletts et une fausse fin conçue en studio, dans laquelle le groupe et les chanteurs suppliaient Charles de continuer à jouer. C'était sept minutes et demie dans sa forme originale, mais Dowd l'a réduit à deux côtés de trois minutes (étiquetés "Part One" et "Part Two") en coupant ici et là et en en retirant un couple (mais pas tous) des passages qui contenaient les paroles « Shake that thing ! »

Même avec le montage de Dowd, la chanson était très controversée. "Tout le monde ne l'a pas creusé", a écrit Charles dans Frère Ray. « Il a été interdit par plusieurs radios. Ils ont dit que c'était suggestif. Eh bien, j'ai accepté. Je ne suis pas du genre à interpréter mes propres chansons, mais si vous n'arrivez pas à comprendre « Ce que je dis », alors il y a quelque chose qui ne va pas. Soit ça, soit tu n'es pas habitué aux doux sons de l'amour.

Nul doute que la controverse a fini par aider le disque à devenir un hit : il est entré dans le Panneau d'affichage le 13 juillet 1959, et en quelques semaines, il est entré dans le Top 10, se classant finalement au numéro 6. Plus tard cet automne-là, Charles a atteint le numéro 11 avec "I’m Movin’ On", et pendant un certain temps, il ne pouvait apparemment rien faire de mal. Il a célébré comme il l'a toujours fait : il a acheté un nouveau Caddy : "Rien ne m'a renversé comme ça 󈨀 Cadillac", a-t-il écrit. « Mec, j'ai adoré ces longues lignes et ces grands ailerons ! »

L'héritage durable de "What’d I Say" est qu'il est devenu plus proche de Charles pour le reste de sa carrière. Comme il l'a dit à NPR : « Ce que vous voulez faire, c'est renforcer les gens. Vous commencez et vous leur donnez cette première mi-temps, et leurs pieds [bougent], et la prochaine chose, ils ont la tête en marche, et la prochaine chose, ils ont la bouche ouverte et ils crient et ils hurlent – ​​c'est un sentiment formidable de pouvoir impliquer votre public avec vous… où tout le monde peut intervenir et passer un très bon moment. "What’d I Say" est ma dernière chanson sur scène. Quand je fais "Ce que je dis", vous n'avez pas à vous en soucier - c'est la fin de moi, il n'y a pas de rappel, pas de rien. J'ai fini !

Lisez l'interview en deux parties de Blair Jackson avec Tom Dowd, initialement présentée dans le numéro d'octobre 1999 Mélanger.
Partie 1.
Partie 2.


"Ce que je dis" de Ray Charles

Ray Charles “What’d I Say” est connu pour être assez risqué, en particulier à la lumière de l'époque à laquelle il est sorti. évidemment pas aussi courant qu'aujourd'hui. Donc, fondamentalement, ce pour quoi ce classique est le plus reconnu, ce sont les insinuations sensuelles qu'il contient.

Cependant, il y a d'autres éléments en dehors du domaine du plaisir dans la chambre qui sont présents dans cette chanson, bien que brièvement. Par exemple, Ray insinue qu'il a du boeuf avec la destinataire féminine (c'est-à-dire son intérêt romantique), puisqu'il menace de la "renvoyer en Arkansas". Et le fondement de ce conflit est apparemment un type de caractéristique défavorable qu'elle possède, que M. Charles appelle son "ne pas bien faire". De plus, on peut sous-entendre qu'elle le néglige, puisqu'il s'écarte du thème du bosse et de la mouture dans le but de la supplier de lui rendre visite lorsqu'elle «le voit dans la misère».

Mais compte tenu de la façon dont le reste de la chanson se déroule, cette "misère" peut en fait être quelque chose de plus dans le sens d'un désir sensuel. Et encore une fois, les références charnelles faites dans "What'd I Say" peuvent être considérées comme comiques par rapport aux normes d'aujourd'hui. Mais en même temps, il est tout à fait clair que la plupart des paroles sont soit dédiées au plaisir de la chambre et/ou à l'admiration du corps de cette femme. Et c'est précisément dans le contexte de son « tremblement », qui peut être interprété soit comme une référence à la danse, soit comme un acte sensuel.

Paroles de from other Lens

Ou une autre façon de voir est que cette chanson est une ode au physique de cette femme. Et tandis qu'à certains moments, le chanteur s'adresse directement à elle, à d'autres, il s'adresse à l'auditoire. Et le titre est basé sur le fait qu'il réaffirme l'idée que cette dame est effectivement séduisante. Ainsi, après vous avoir dit par exemple qu'"elle peut faire le Birdland toute la nuit" (avec Birdland étant une danse), il se retourne et répète "qu'est-ce que j'ai dit". Comme s'il voulait que le public sache qu'il pense vraiment, vraiment, les mots qui sortent de sa bouche.

Conclusion

Donc, de manière concluante, nous pouvons dire avec confiance que la dame qui est au centre de cette chanson a complètement frappé frère Ray. Et ce qu'il aime le plus chez elle, c'est la façon dont elle danse et, pour résumer, sa performance au lit.

“What’d I Say” a été créé accidentellement

Cette chanson, qui était en fait le premier grand succès de Ray Charles (1930-2004), n'est pas venue intentionnellement. C'était plutôt le résultat du fait que lui et son équipe (son orchestre et ses choristes appelés The Raelettes) disposaient d'un peu de temps supplémentaire vers la fin d'un concert en 1958. Et l'air lui-même doit en fait ses origines à l'improvisation réussie que Ray a initiée en tant que résultat. En d'autres termes, “What’d I Say” a en fait commencé comme un freestyle.

Le mois où cela s'est produit spécifiquement était décembre, et l'endroit où cela aurait eu lieu est à Brownsville, en Pennsylvanie.Cela étant dit, certains rapports indiquent également que cela a eu lieu à Pittsburgh.

Le public a réagi très favorablement à la chanson, ce qui a rationalisé Ray Charles en proposant l'idée à son label, Atlantic Records, pour qu'ils l'enregistrent.

Et quant à l'enregistrement de "What'd I Say", il a été achevé rapidement. Cela était dû au fait que Ray et ses camarades de groupe l'avaient déjà joué suffisamment de fois sur la route.

Une chanson signature de Ray Charles

En fait, "What I'd Say" est devenu une partie inséparable des setlists de Ray, car c'est la chanson qu'il utilisera par la suite pour clôturer tous ses concerts.

Modifications apportées à “What’d I Say” avant la publication

Après son enregistrement initial, le morceau est sorti exceptionnellement long, soit près de huit minutes. L'ingénieur du son (Tom Dowd) a rectifié ce problème en divisant "What'd I Say" en deux parties. De plus, certains segments de la chanson jugés trop risqués ont été supprimés par Atlantic Records.

Toujours en raison de sa suggestivité sensuelle, "What'd I Say" était assez controversé à son époque.

Et l'une des raisons pour lesquelles il a irrité certains auditeurs afro-américains était qu'il possédait des éléments de musique gospel. En fait, "What I'd Say" est considéré comme la chanson qui a inauguré l'ère de la musique soul, qui est essentiellement un mélange de R&B, de gospel et de jazz.

Interdiction par certaines stations de radio

Finalement, la piste a été interdite par pas mal de stations de radio. En fait, selon M. Charles lui-même, de telles entités (c'est-à-dire le courant dominant) n'ont vraiment commencé à adopter “What’d I Say” qu'après que des artistes blancs populaires aient commencé à le couvrir. Et le chanteur particulier auquel il a fait ce commentaire en référence était Jerry Lee Lewis.

Autres versions de couverture notables

Les autres chanteurs populaires qui ont repris ce classique au fil des ans sont les suivants :

Même la fiction Alvin and the Chipmunks (1990) a couvert ce succès.

Succès de la version Ray Charles

La propre version de Charles de "What'd I Say" a culminé au numéro 6 du Billboard Hot 100. Et depuis lors, elle est considérée comme l'une des plus grandes chansons de l'histoire de la musique américaine. Par exemple, il a été placé tout au long du numéro 10 sur Pierre roulanteclassement des « 500 plus grandes chansons de tous les temps ». Il a également été surnommé l'une des « 100 plus grandes chansons du rock and roll » par VH1 et fait partie des « 500 chansons qui ont façonné le rock and roll ». Cette dernière liste est une liste compilée par le Rock and Roll Hall of Fame. Et peut-être le plus notable est que la Bibliothèque du Congrès des États-Unis elle-même a préservé «Ce que je dirais» en l'ajoutant au National Recording Registry. Ils l'ont fait en 2002.

Cette chanson a également valu à Ray Charles son premier disque d'or, ce qui signifie qu'elle s'est vendue à au moins un million d'exemplaires. En effet, à l'époque, il se distinguait parmi les publications d'Atlantic Records comme étant leur best-seller de tous les temps.

Quand Ray Charles a-t-il sorti “What’d I Say”?

La date de sortie originale de "What'd I Say" était le 18 février 1959.

Et à cause de l'explosion de la chanson, Ray a menacé de quitter Atlantic Records (le label qui l'a publiée) à la recherche de pâturages plus verts. Et apparemment, en conséquence, Atlantic a rapidement sorti un album des plus grands succès de Ray Charles qui présentait cette chanson et était en fait lui-même intitulé « "

Version 2002 de “What’d I Say”

Pour info, Ray Charles a également sorti un remix inspiré du hip-hop de "What'd I Say" sur son album de 2002 "Thanks for Bringing Love Around Again".

Ray Charles a-t-il écrit « ?

Oui il l'a fait. En fait, Ray est crédité comme le seul auteur de ce grand classique ! En termes simples, il a écrit la chanson du début à la fin tout seul.

pour votre information: Ce classique a un titre alternatif, qui est “What I Say”.


Épisode 78: “What’d I Say” par Ray Charles

Épisode soixante-dix-huit de Une histoire de la musique rock en cinq cents chansons se penche sur “What’d I Say” de Ray Charles, et sur la carrière de Charles dans le jazz, la soul et la country. Cliquez sur le message complet pour lire les notes de la pochette, des liens vers plus d'informations et une transcription de l'épisode.

Les contributeurs de Patreon ont également un épisode bonus de dix minutes disponible, sur “Sea of ​​Love” de Phil Phillips.

Tilt Araiza a été d'une aide inestimable en effectuant un premier montage et, espérons-le, le fera à partir de maintenant. Découvrez les podcasts irréguliers de Tilt sur http://www.podnose.com/jaffa-cakes-for-proust et http://sitcomclub.com/

Je me réfère à la formation originale des Raelettes en tant que trio, et par conséquent manque Darlene McRae, le quatrième membre du groupe.

Il n'y a pas de Mixcloud cette semaine, car douze des quatorze morceaux ici sont de Ray Charles, et Mixcloud a des limites sur le nombre de chansons d'un artiste que l'on peut inclure.

J'ai utilisé deux sources pour l'information ici : l'autobiographie de Charles, Frère Ray, ce qui donne une vision très claire de son caractère, peut-être pas toujours de la manière qu'il souhaitait, et Ray Charles : La naissance de l'âme par Mike Evans.

Il existe trois collections d'œuvres de Ray Charles que tout le monde devrait posséder et qui couvrent la musique de ce podcast. The Complete Swing Time et Atlantic Recordings est un coffret de sept CD qui contient tout jusqu'en 1959, Les années ABC complètes 1959-1961 est un coffret de trois CD couvrant la prochaine phase de sa carrière, et Sons modernes dans Country & Western Vols 1& 2 est un seul CD avec ces deux albums dessus.

Ce podcast vous est proposé grâce à la générosité de mes contributeurs sur Patreon. Pourquoi ne pas les rejoindre ?

Lorsque nous avons quitté Ray Charles pour la dernière fois, il venait de faire une série de succès chez Atlantic Records, y compris plusieurs des chansons qui sont devenues le fondement de la musique soul. Mais comme je l'ai mentionné à la fin de cet épisode, après cette série de succès, il a connu une période de sécheresse et pendant quelques années, il a sorti des disques comme "Swanee River Rock", qui n'étaient guère à la hauteur de ses normes. meilleur travail. Après son premier single de 1957, “Ain’t That Love”, qui figurait dans le top dix du classement R&B, la plupart de ses singles n'ont pas du tout été classés au cours des deux années suivantes, avec certains en bas. du top vingt R&B.

Il avait aussi des moments difficiles dans sa vie. Il était accro à l'héroïne, il avait un petit enfant et il jouait soir après soir dans des salles de troisième classe. À un moment donné, plusieurs membres du groupe, dont Charles lui-même, avaient été arrêtés pour consommation d'héroïne, et Charles avait dû payer un pot-de-vin de six mille dollars pour que les charges soient abandonnées. le reste du groupe, et a dû enregistrer son tube “Hallelujah, I Love Her So” avec des musiciens de session plutôt que son groupe habituel :

[Extrait : Ray Charles, “Alléluia, je l'aime tellement”]

La plupart des endroits où il jouait étaient mauvais à d'autres égards. Beaucoup étaient sales - il devait parfois louer des chambres d'hôtel pour se changer parce que les vestiaires étaient inutilisablement sales - et à cette époque, avant que les instruments à clavier portables ne deviennent monnaie courante, il devait se contenter des pianos qui se trouvaient sur les lieux. . Il parlait plus tard de la façon dont certains étaient tellement désaccordés qu'il devait jouer en do dièse tandis que le reste du groupe était en do, juste pour qu'il puisse être quelque chose comme dans la même tonalité qu'eux.

Cela a amélioré sa musicalité, bien qu'il ait dû apprendre à jouer dans des tonalités que la plupart des musiciens éviteraient normalement, et il est devenu un pianiste beaucoup plus fluide. Mais il a fini par emporter un piano électrique avec lui sur la route, il pouvait donc être sûr qu'il serait toujours accordé. D'autres musiciens se moquaient de lui pour cela, car le piano électrique était considéré à l'époque comme un instrument de nouveauté, pas quelque chose qu'un musicien sérieux utiliserait, mais Charles savait qu'il avait des possibilités.

Ainsi, à la fin des années 1950, Charles semblait essayer de devenir un musicien de jazz plutôt que de devenir un musicien de R&B, dans le but de jouer des concerts plus haut de gamme. Il a continué à sortir des singles R&B, mais il s'orientait de plus en plus vers le jazz à la fois dans ses albums et dans ses performances live. En 1957, il joue pour la première fois au Carnegie Hall, sur une programmation qui comprend également Billie Holiday, Zoot Sims, Dizzy Gillespie, Mose Allison et Chet Baker, ainsi qu'une performance de Thelonius Monk et John Coltrane qui est elle-même devenue légendaire :

[Extrait : Thelonius Monk et John Coltrane, “Blue Monk”]

Il est encouragé à son tour vers le jazz par les frères Ertegun, qui ont fondé Atlantic en tant que label de jazz, et qui restent avant tout des amateurs de jazz, alors même que leur label est de plus en plus R&B et qu'ils sont encouragés. par des gens comme Miles Davis, qui n'arrêtaient pas de leur dire que Charles était quelque chose de spécial et qu'il devrait être autorisé à devenir l'un des grands du jazz.

À l'époque, de nombreux musiciens de jazz s'intéressaient à une nouvelle forme de jazz plus influencée par les autres musiques jouées par les Noirs, en particulier le blues et le gospel. Des gens comme Art Blakey et Horace Silver essayaient d'intégrer ces musiques dans la leur, en partie parce qu'ils les aimaient, et en partie parce qu'ils pensaient que les Noirs avaient inventé le jazz, mais qu'il devenait de plus en plus une musique blanche. En incorporant une touche de gospel ou de blues dans leur musique, ils pourraient créer quelque chose basé sur leur propre héritage, quelque chose qu'il serait impossible pour les blancs qui n'avaient pas grandi dans ces traditions de copier avec succès.

Beaucoup de ces musiciens avaient commencé à utiliser les termes “soul” et “funk” à propos de leur musique — et il est particulièrement remarquable que quelqu'un comme James Brown, par exemple, ne soit pas issu du blues, mais d'un jazz. Brown a toujours parlé de ses influences comme Lionel Hampton et Miles Davis, et vous pouvez certainement dire si vous étudiez les disques de Brown qu'il était passionné par le jazz des années cinquante.

Ray Charles à la fin des années cinquante était sans doute la personne qui mélangeait ces styles le plus couramment, faisant des choses comme enregistrer un album avec Milt Jackson, le vibraphoniste du Modern Jazz Quartet :

[Extrait : Ray Charles et Milt Jackson, “How Long How Long Blues”]

Mais bien sûr, même dans les spectacles de jazz, il jouait toujours ses tubes R&B - c'était un musicien qui brouillait les frontières, pas quelqu'un qui passait d'un genre à un autre.

Sur plusieurs de ses disques au milieu des années cinquante, il avait été soutenu par un groupe de choristes connus sous le nom de Cookies, qui étaient les choristes incontournables d'Atlantic Records, et avait également chanté avec des gens comme Chuck Willis et Big Joe. Tourneur. Charles a invité deux des filles à devenir les deux tiers d'un nouveau trio vocal, les Raelettes, et à le soutenir sur la route - les Cookies ont continué avec une nouvelle formation et devaient avoir quelques succès au début des années 60 .

Les Raelettes subiraient plusieurs changements de composition, en grande partie parce qu'ils tombaient en faveur de Charles au sujet de leurs relations personnelles. il fallait laisser Ray — mais la formation originale était Margie Hendrix, Pat Lyles et Gwen Berry, et Charles disait toujours que Margie Hendrix, la leader du trio, était au moins l'égale d'Aretha Franklin ou d'Etta James :

[Extrait : Ray Charles/Margie Hendrix “Le bon moment”]

Mais les Raelettes ont suscité beaucoup de polémiques. Beaucoup de gens avaient déjà été bouleversés par la façon dont Ray Charles s'était approprié la musique gospel et l'avait transformée en chansons pop - ils pensaient que ce style de musique était sacré, et il le souillé, bien que son propre argument était qu'il n'avait jamais chantait à propos de Dieu, et s'il avait un peu de gospel dans sa voix, c'était exactement comme ça qu'il chantait. Et après tout, alors qu'il avait été l'un des premiers à faire cela, il n'était pas le seul - il y avait Clyde McPhatter, et Sam Cooke et James Brown, tous faisant le même genre de chose.

Mais l'ajout des Raelettes a donné à de nombreux critiques l'impression que ses performances étaient comme s'il copiait les voix d'appel et de réponse dans les services pentecôtistes. Et certainement un disque comme “Yes Indeed” semble délibérément invoquer l'église à certains moments :

[Extrait : Ray Charles, “Oui en effet”]

Mais le disque qui le verra se détourner du jazz et commencer sa période de plus grand succès commercial, en est un qui prend cette musique d'église et la transforme en préoccupations extrêmement terre à terre. Et cela s'est produit lors de ce qu'il avait l'intention d'être l'un de ses derniers concerts de danse de classe inférieure jouant pour le public R&B.

La méthode de travail normale de Charles consistait à enregistrer des chansons avant de partir sur la route avec eux, et à avoir des arrangements serrés écrits pour les enregistrements par des gens comme Jesse Stone ou Quincy Jones. Il a toujours su ce qu'il allait faire sur scène et n'aimait pas s'amuser avec de nouvelles choses dans la performance. Mais une nuit, il avait mal programmé la durée du spectacle qu'il jouait et s'est retrouvé sur scène à une heure du matin, avec une demi-heure de plus pour le spectacle de la nuit, et plus aucune chanson n'a été répétée.

Alors il a dit au groupe: "Écoutez, je vais faire l'imbécile et vous me suivez tous."

Il a commencé à jouer quelques riffs au piano électrique, en suivant une structure de blues standard à douze mesures, et a improvisé quelques paroles, principalement sur la danse. Tout comme il l'avait fait sur son premier tube de l'Atlantique, “Mess Around”, il s'est inspiré d'un vieux classique du boogie woogie, cette fois Pinetop Smith’s “Pinetop’s Boogie Woogie” :

[Extrait : Pinetop Smith, Boogie Woogie de “Pinetop’]

Après quelques minutes de cela, il a dit aux Raelettes de simplement le copier et a commencé une section d'appel et de réponse, où il faisait des gémissements, puis ils les répétaient. La chanson a duré plusieurs minutes, et il l'a considérée comme un moyen relativement efficace de compléter un spectacle sous-jacent. du dossier.

Ainsi, au cours des nuits suivantes, il a joué les riffs qu'il avait improvisés, et a fait la section d'appel et de réponse, et l'a lentement construit en une chanson correctement structurée. Et à chaque fois, le public s'est déchaîné.

Il a appelé Jerry Wexler à Atlantic et lui a dit qu'il venait le voir avec une nouvelle chanson à enregistrer, "et c'est plutôt sympa". Normalement, il n'aimait pas construire les chansons qu'il allait enregistrer à l'avance, il pensait qu'il valait mieux pour lui de laisser la musique parler d'elle-même. Mais cette fois, il a pensé que cela valait la peine de lui donner un peu plus d'énergie, alors "c'est plutôt sympa".

"What’d I Say" était un disque beaucoup plus innovant sur le plan technique qu'on ne le croit normalement, et qui a été largement construit en studio. En plus d'être le premier disque de Charles à vraiment montrer son jeu de piano électrique, c'était aussi l'un de ses premiers à être enregistré sur une machine à huit pistes.

Tom Dowd, ingénieur d'Atlantic’s, est quelqu'un qui est reconnu par presque tous ceux avec qui il a travaillé comme l'un des grands ingénieurs du son de tous les temps. Il a en fait commencé comme physicien, travaillant sur un cyclotron à l'Université de Columbia, qu'il a fréquentée dès l'âge de seize ans, et il travaillait pour obtenir son diplôme lorsqu'il a été appelé pour la Seconde Guerre mondiale, et a travaillé sur le Projet Manhattan. À la fin de la guerre, il prévoyait de continuer en physique, mais son travail de guerre était top secret et donc inutile pour obtenir une qualification, et après avoir travaillé sur le développement de la bombe atomique, il ne pouvait rien apprendre dans un étudiant de premier cycle. diplôme en physique, il a donc changé de carrière et est devenu ingénieur du son à la place.

Dans les premières années d'Atlantic, il a fait des miracles avec un équipement et des espaces d'enregistrement terribles. Au cours de ces premières années, le studio d'enregistrement d'Atlantic avait également été ses bureaux, avec les bureaux et les chaises dégagés le moment venu. enregistrer. Il a constamment poussé Atlantic vers l'avant, insistant sur l'enregistrement sur bande alors que tout le monde enregistrait sur des acétates, et l'enregistrement en stéréo lorsque les gens n'achetaient encore des disques qu'en mono. Et il a récemment mis la main sur un enregistreur huit pistes - le deuxième existant, après celui que Les Paul s'était construit.

La chanson que Ray Charles a apportée en studio, “What’d I Say”, était clairement quelque chose avec un potentiel commercial. Mais c'était une chanson conçue pour s'étirer longtemps, pour remplir le temps d'un spectacle. Il n'y avait aucun moyen que ce soit un single tant que Charles l'a joué. C'était aussi tellement obscène à certains moments qu'il était très peu probable qu'il soit diffusé à la radio.

Mais Dowd a rassemblé plusieurs éditions différentes de la piste, enregistrées sur sa nouvelle machine à huit pistes dans une qualité sonore époustouflante pour l'époque. Il a pris la piste de sept minutes et demie qu'ils ont enregistrée, l'a réduite à cinq minutes et sept secondes, puis l'a divisée en deux pour qu'elle puisse passer des deux côtés d'un single. Le résultat est l'un des grands chefs-d'œuvre de la dynamique de la musique pop.

Cela commence avec Charles jouant, en solo, juste avec sa main gauche, un simple riff de douze mesures au piano électrique :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

Puis sa main droite entre, tandis que le batteur joue un rythme latin, principalement sur le charleston :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

Ensuite, pour la majeure partie de ce qui est devenu la première partie de la chanson, Charles chante des couplets déconnectés sur ce support :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

Puis à la fin de la première partie, les cors entrent, répondant à Charles alors qu'il chante le titre de la chanson :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

La chanson s'arrête brusquement et le groupe fait semblant de se plaindre de la fin inattendue de la chanson :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

Et puis, pour la deuxième partie, nous obtenons un appel et une réponse, les Raelettes lui répondant avec les cors sur les chœurs :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

Mais aussi le morceau du morceau qui a suscité le plus de polémiques — plusieurs pannes avec Charles et les Raelettes soupirant et gémissant de manière presque pornographique :

[Extrait : Ray Charles, “What’d I Say”]

Comme Charles lui-même l'a dit dans son autobiographie, "Je ne suis pas du genre à interpréter mes propres chansons, mais si vous ne pouvez pas comprendre "Ce que je dis", alors quelque chose ne va pas. Soit ça, soit vous n'êtes pas habitué aux doux sons de l'amour.”

De nombreuses stations de radio ont interdit la chanson, bien que Charles ait noté que lorsque des artistes blancs ultérieurs, comme Bobby Darin, Jerry Lee Lewis et Elvis Presley en ont enregistré des reprises, ces versions n'ont pas été interdites et ont déclaré : « Cela semblait étrange à moi, comme si le sexe blanc était plus propre que le sexe noir”.

Rien de tout cela ne l'a empêché de devenir un succès, cependant. Il est devenu numéro un sur les charts R&B et numéro six sur le Hot One Hundred, devenant son plus gros succès jusqu'à ce moment-là. Mais plus encore que son succès dans les charts, c'était un disque qui a eu de l'influence dans toutes sortes d'endroits. Beaucoup de gens le considèrent comme le premier disque de soul, bien que nous ayons déjà regardé plusieurs chansons de cette série que je considérerais comme de la soul. Mais c'était certainement l'un de ceux qui ont défini le genre. Et c'est le disque qui, à lui seul, a transformé le piano électrique d'un instrument de plaisanterie en un instrument aussi respectable que n'importe quel autre.

Atlantic a suivi le single avec un album qu'il avait enregistré plus tôt, un disque de big band réalisé avec divers membres des groupes Count Basie et Duke Ellington - de grands joueurs comme Zoot Sims, Paul Gonsalves, Clark Terry et Fathead Newman, jouant arrangements écrits par Quincy Jones. Le morceau d'introduction de cet album, une reprise de "Let The Good Times Roll" de Louis Jordan, n'était qu'un succès mineur, mais c'est maintenant l'un des disques les plus identifiés avec Charles :

[Extrait : Ray Charles, “Let The Good Times Roll”]

Cet album a présenté un autre aspect de la légende de Ray Charles - le disque s'appelait "Le génie de Ray Charles". Charles lui-même n'a toujours pas aimé que le terme "génie" lui soit appliqué, mais Jerry Wexler l'a jugé approprié, et il est resté "au cours des prochaines années, il y aurait des albums comme The Genius Sings the Blues, The Genius After Hours, The Genius Hits The Road, et Genius + Soul = Jazz.

Il s'est avéré que c'était aussi le dernier album que Charles a enregistré pour Atlantic, bien qu'il ait enregistré suffisamment de retard pour qu'ils puissent sortir quatre autres albums au cours des deux prochaines années. Son contrat avec eux devait être renouvelé en octobre 1959, et alors qu'il semblait au début que ce n'était qu'une pure formalité, il a fini par se tourner vers un autre label.

ABC Paramount voulait se développer sur le marché du R&B et lui a proposé une offre qu'aucun autre artiste n'avait jamais reçue d'un label. Il obtiendra un contrôle artistique complet sur ses enregistrements, il obtiendra soixante-quinze pour cent de tous les bénéfices réalisés une fois que le label aura récupéré ses coûts, il obtiendra une garantie de cinquante mille dollars par an contre ses redevances — et rappelez-vous que trois ans plus tôt, lorsque RCA avait payé trente-cinq mille dollars pour le contrat d'Elvis, c'était le montant le plus élevé qu'un label ait jamais payé. Et, le meilleur de tous, après cinq ans, la propriété des maîtres lui reviendrait - il posséderait son propre travail, plutôt que le label qui en était propriétaire.

Charles a accepté l'offre à Atlantic et leur a donné la chance de l'égaler, car il aimait enregistrer pour eux, mais ils ont dit qu'il n'y avait tout simplement aucun moyen de s'en approcher, alors il a déménagé à ABC Paramount. Et une chose étrange s'est produite pendant quelques années, il s'est épanoui artistiquement comme il ne l'avait jamais fait auparavant, mais en tant qu'interprète, et non en tant qu'auteur-compositeur. En fait, à partir de ce moment-là, il a presque complètement arrêté d'écrire des chansons et s'est concentré sur le matériel d'autres personnes.

Le premier album qu'il a fait pour ABC Paramount, The Genius Hits the Road, est une affaire inégale, une collection de vieilles chansons sur des endroits en Amérique, comme “Mississippi Mud”, “Alabamy Bound”, et “New York& #8217s My Home”, mais il a eu un succès remarquable, une version de “Georgia on My Mind” qui, soixante ans plus tard, est toujours considérée comme la version définitive de cette chanson :

[Extrait : Ray Charles, “Georgia on My Mind”]

Cela est allé au numéro un dans les charts et lui a valu quatre Grammy Awards.

Il semblait que le passage à ABC était un succès, mais l'album suivant, Dedicated to You, était un peu raté. C'était une collection à thème similaire, cette fois de chansons basées sur des noms de femmes, mais elle n'avait rien comme les sommets de "Georgia On My Mind". Heureusement, l'album suivant, Genius + Soul = Jazz, était un retour pour former un autre album de jazz funky avec le groupe Basie et Quincy Jones, ce qui lui a valu un autre succès dans le top 10 avec l'instrumental "One Mint Julep". 8221 :

[Extrait : Ray Charles, “One Mint Julep”]

Pour suivre cet album, il a formé pour la première fois son propre big band, un groupe de dix-sept musiciens capable de jouer les charts Quincy Jones comme ils sonnaient sur les disques. Sa carrière semblait aller de mieux en mieux. Il a enregistré “Hit the Road Jack”, qui est devenu son deuxième numéro un sur le palmarès pop :

[Extrait : Ray Charles, “Hit the Road Jack”]

Un album de duos avec Betty Carter, qui comprenait leur version de “Baby It’s Cold Outside”, maintenant généralement considéré comme la version définitive de la chanson :

[Extrait : Ray Charles et Betty Carter, “Baby It’s Cold Outside”]

Et puis il a fait un autre mouvement qui a semblé bizarre à tout le monde, en enregistrant un album de chansons country, Modern Sounds In Country & Western Music. L'idée que Ray Charles fasse un album de chansons de personnes comme Don Gibson et Hank Williams n'avait de sens pour personne d'autre que Ray Charles, mais il avait le droit de faire tous les disques qu'il voulait.

Et il s'est avéré que c'est devenu son plus grand album, et peut-être le sommet de sa carrière. Alors que les chansons étaient toutes des chansons country, Charles les a toutes faites dans son propre style, avec un accompagnement d'orchestre ou de big band, et sans concession ni dans sa voix ni dans l'accompagnement instrumental des éléments de genre country. Le single principal, Don Gibson & #8217s & #8220I Can’t Stop Loving You”, est devenu numéro un sur le Hot One Hundred, les charts R&B et le chart Adult Contemporary, mais mon morceau préféré de l'album est le deuxième single, Eddy Arnold’s “You Don’t Know Me”, qui est peut-être la meilleure performance de Charles’, et s'est classé numéro deux dans les charts :

[Extrait : Ray Charles, “Vous ne me connaissez pas”]

Cet album a confirmé que Ray Charles pouvait faire n'importe quel type de musique qu'il voulait - rock and roll, soul, big band, jazz ou country - et le faire sonner comme personne d'autre. Cela l'a consolidé comme le musicien le plus important de sa génération, un lien entre tous les fils disparates de la musique américaine. Il n'avait plus rien à prouver et à partir de ce moment-là, son développement artistique s'est arrêté.

Ses albums suivants étaient Modern Sounds in Country et Western Volume 2 - un bon album, mais pas aussi essentiel que le premier Ingredients In A Recipe For Soul, un album composé principalement de vieux standards, et Sweet and Sour Tears, une collection de chansons sur le thème des pleurs. Tous sont des albums vraiment agréables, mais aucun d'entre eux n'atteint les sommets de son meilleur travail. Et après un autre album, Have a Smile On Me, un album faible de prétendues chansons de comédie, il a de nouveau été arrêté pour sa consommation d'héroïne et a passé un an en probation, incapable de travailler.

Il est devenu abstinent et n'a plus jamais consommé d'héroïne, mais à son retour à la musique, alors qu'il a fait de nombreux beaux disques, une étincelle s'est perdue. Maintenant, je veux être très clair ici que je ne dis *pas* que l'arrêt de la consommation d'héroïne a fait de lui un musicien moins intéressant ou n'importe laquelle de ces bêtises. Je n'ai aucun intérêt à romancer la dépendance. C'est juste qu'au cours des treize premières années de sa carrière, il trouvait constamment de nouvelles choses qu'il pouvait faire, poussant sa musique dans différentes directions et découvrant ce qu'était vraiment la musique de Ray Charles. Au cours des quarante dernières années, il a travaillé dans les limites qu'il s'était fixées au cours de ces premières années. Mais alors, on peut affirmer qu'à cette époque, des genres musicaux entiers étaient également entièrement contenus dans les limites qu'il s'était fixées.

Il a continué à travailler presque jusqu'à sa mort. Son dernier album, Genius Loves Company, a été enregistré lorsqu'il a su qu'il était atteint d'un cancer du foie en phase terminale. C'est un album de duos avec des chanteurs qui ont été influencés par lui, comme Van Morrison et Elton John, ainsi que son contemporain Willie Nelson :

[Extrait : Ray Charles et Willie Nelson, “Ce fut une très bonne année”]

L'album est sorti deux mois après sa mort en 2004, et est devenu son premier album numéro un depuis Modern Sounds in Country and Western Music, plus de quarante ans plus tôt. Il est devenu triple platine et a remporté neuf prix Grammy - autant une reconnaissance de l'estime dans laquelle Ray Charles était tenu que de la qualité de l'album lui-même. Il est sûr de dire qu'au moment de sa mort, il n'y avait pas un musicien vivant dans les domaines du rock, du R&B, de la soul et de la musique country dont la carrière n'avait pas été influencée par la sienne, et aussi longtemps qu'elle a été enregistrée. la musique existe, les gens écouteront toujours Ray Charles.


Ray Charles : les ingrédients d'une légende de l'âme

Si l'industrie de la musique a déjà eu un visionnaire de la soul music, cette personne était Ray Charles. Ray Charles a aidé à intégrer la musique américaine en créant un espace pour la musique R&B inspirée du gospel à la radio pop. Il était la superstar du R&B la plus appréciée d'Atlantic Record et allait influencer des légions de musiciens et de fans au fil des ans. Musicien, auteur-compositeur et producteur charismatique, Ray Charles a contribué à définir la musique soul à la fois comme un nouveau genre musical et un instrument de changement social dans la culture américaine.


Ray Charles Robinson est né le 23 septembre 1930 à Albany, en Géorgie, et a grandi à Greenville, en Floride. Il a perdu la vue très jeune et a dû compter sur ses oreilles par la suite pour travailler et survivre. Il travaille comme musicien pour joindre les deux bouts et s'initie à la musique classique en lisant des compositions en braille. Il se produit principalement en tant que musicien de scène dans des boîtes de nuit et sortira des disques sur Swing Time Records au début de sa carrière. En 1952, Ahmet Ertegun, fondateur d'Atlantic Records, acheta le contrat d'enregistrement de Charles à Swing Time pour 3000 $. Cette affaire sans précédent a solidifié le début d'une relation de longue date entre Charles et le label. Pendant qu'il était sur l'Atlantique, Charles a connu un grand succès commercial. En 1955, il réalise son premier single n°1 « I Got a Woman ». Ce succès sera suivi d'autres sorties en tête des charts telles que "This Little Girl of Mine", "The Night Time (Is the Right Time)" et "What'd I Say".

"Quand Ray Charles est arrivé et a fait cette chose radicale et inouïe de prendre des chansons gospel et de leur mettre les mots du diable, beaucoup de ministres et beaucoup d'églises ont trouvé cela blasphématoire." -Jerry Wexler

Bien que Ray se soit avéré être un artiste d'enregistrement stellaire, il était plus qu'une merveille pianiste. Il a aidé à inaugurer un nouveau son qui serait finalement connu sous le nom de R&B. Selon Jerry Wexler, directeur et producteur d'Atlantic Records, les racines gospel de Charles l'ont aidé à composer des chansons qui étaient perçues comme de la musique gospel aux « paroles du diable ». Bien que controversé à l'époque, ce nouveau son enflammerait la culture populaire et influencerait la jeunesse américaine, modifiant ainsi le tissu des relations raciales. Charles avait effectivement pris la musique du monde souterrain, l'avait consacrée et l'avait rendue sûre pour la consommation grand public. Ce furent les débuts de la révolution de la musique soul.

«Ils avaient une corde entre les courses, une corde, quelque chose comme une corde à linge. Il y aurait une carte qui disait de couleur et de blanc de chaque côté [de la ligne]. Tant que cette corde allait bien, tu pouvais danser. - Ruth Brown

La musique de Ray Charles était spirituelle, sexuelle, jeune et fidèle aux réalités de la vie en Amérique racontée par la population noire américaine des États-Unis. Par conséquent, Ray a été l'ambassadeur de l'art sonore du «circuit chitlin» et a contribué à exposer les malheurs et les sensibilités culturelles des classes en difficulté à la société dominante.

Les contributions artistiques de Ray sont devenues une forme d'activisme politique une fois qu'il a décidé de prendre position contre la ségrégation dans le Sud. En refusant de jouer dans des salles qui ne traitaient pas les clients noirs comme des égaux ou qui utilisaient la tactique de Jim Crow pour séparer injustement les races, Charles a aidé à faire pression pour l'égalité raciale et la justice civile aux États-Unis. Sa collègue du label Atlantic, Ruth Brown, s'est souvenue une fois de l'expérience de danser dans le Sud profond et isolé : « Ils avaient une corde entre les courses… quelque chose comme une corde à linge. Tant que cette corde allait bien, tu pouvais danser. Ray Charles aiderait à changer cela. En 1961, il refusa de jouer dans l'Auditorium Bell séparé d'Augusta, en Géorgie. Il a reçu des critiques et des amendes judiciaires en raison de ses efforts, mais le lieu a été désagrégé un an plus tard.

Ray Charles est décédé le 10 juin 2004. La même année, la sortie du biopic acclamé par la critique Ray dépeint un homme dont la musique était plus grande que nature. Néanmoins, sa vie a été soumise à la discrimination raciale, entachée d'un handicap physique et criblée de détresse émotionnelle. Cet ensemble complexe de circonstances définit magistralement à la fois Ray Charles et la musique soul, le mariage de la douleur du blues au pouvoir émancipateur spirituel du gospel. Heureusement, Atlantic Records et ses pères pionniers ont eu la prévoyance de s'associer à un artiste comme Ray Charles pour apporter l'âme au monde, l'âme cachée au cœur de la société américaine. Découvrez la playlist Spotify "Ray Charles - The Genius!" ci-dessous et partagez-le en ligne dès aujourd'hui !


L'histoire d'Atlantic Records : Ahmet Ertegun dans ses propres mots

"Clapton et moi sommes entrés, et il était vêtu d'une de ces tenues folles et avait toutes sortes de maquillages étranges sur le visage. Au moment où nous sommes entrés dans le studio, avant même que je puisse le présenter à Aretha, elle l'a regardé et a éclaté de rire. »

EN TANT QU'AUTEUR-COMPOSITEUR, PRODUCTEUR ET CO-FONDATEUR d'Atlantic Records, Ahmet Ertegun a participé à l'ensemble de la musique populaire d'après-guerre : jazz, blues, R&B, rock, heavy metal, disco et hip-hop. Il a été présent à la naissance du rock & roll à la fin des années 40 et dans les années 50, écrivant et produisant des tubes phares des premières stars de l'Atlantique Ray Charles, Ruth Brown, The Clovers et Big Joe Turner. Ertegun a également été une figure vitale dans l'évolution de la soul et a nourri les carrières d'Aretha Franklin, Wilson Pickett, Otis Redding et Solomon Burke et il a présidé au succès explosif d'Atlantic dans les années 1960 et 1970 avec Cream, les Rolling Stones et Led. Zeppelin. À soixante-dix-sept ans, Ertegun produit toujours des disques pour la société qu'il a fondée avec Herb Abramson en 1947.

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“WHAT’D I SAY: The Atlantic Story” (Welcome Rain Publishers) raconte l'histoire de l'entreprise depuis sa modeste naissance jusqu'à son succès continu au cours d'un nouveau siècle. Le livre est abondamment illustré de photographies relatant la durée de vie de la marque. Mais l'histoire d'Atlantic est en grande partie l'histoire des longues journées et nuits d'Ertegun en studio, sur la route et en ville avec les artistes qu'il a signés, produits et aimés. Né le 31 juillet 1923 à Istanbul , Ertegun, le fils d'un diplomate turc, est une rareté parmi les directeurs de disques, un homme cultivé avec une oreille attentive et des manières chaleureuses qui a établi de longues amitiés personnelles avec plusieurs de ses actes et les histoires nées de ces relations forment le cœur de Ce que je dis. Le livre comprend également les voix des plus proches associés d'Ertegun à Atlantic &ndash parmi eux, son défunt frère, Nesuhi, le producteur Jerry Wexler et l'ingénieur Tom Dowd &ndash ainsi que des artistes atlantiques tels que Keith Richards et Scott Weiland de Stone Temple Pilots. .

Mais " CE QUE JE DIS " est dit principalement dans les mots de l'homme qu'Otis Redding appelait affectueusement " Omelette " parce que, comme le rappelle Ertegun dans le livre, " il a d'abord pensé que c'était mon nom ". #8221 &ndash DAVID FRICKE

1947-1952 : DÉCOUVERTE DE L'AVEUGLE WILLIE MCTELL, DE RAY CHARLES ET DU PROFESSEUR LONGHAIR

PREMIER SIÈGE DE L'ATLANTIQUE J'étais dans un hôtel délabré de la cinquante-sixième rue, entre la sixième et Broadway, appelé le Jefferson, qui a été condamné comme dangereux peu après notre emménagement. J'avais loué une petite suite au rez-de-chaussée, dormi dans la chambre et le salon était le bureau de l'Atlantique.

Cette première configuration était incroyable. Des gens comme Rudy Toombs et Doc Pomus venaient auditionner leurs chansons. On rentrait, on s'installait, on travaillait avec les différents ingénieurs, et ainsi entre le 21 novembre et le 29 décembre [en 1947] on a enregistré 65 pistes. Nos premières sorties, en 1948, étaient quatre singles de Tiny Grimes, Eddie Safranski, Joe Morris et Melrose Colbert.

J'avais collectionné les disques de Blind Lemon Jefferson, Blind Willie Johnson, Blind Willie McTell et beaucoup des premiers chanteurs de blues aveugles. Je marchais le long d'une rue principale dans le quartier noir d'Atlanta & ndash pour moi c'est l'histoire la plus incroyable de toute ma carrière & ndash et il y avait un homme aveugle qui était assis au coin de la rue avec son dos au côté du bâtiment chantant des chansons gospel, avec un chapeau devant lui pour que les gens puissent y déposer de l'argent. Je me suis arrêté pour l'écouter parce qu'il jouait de la guitare slide incroyable et chantait si bien. Je lui ai tendu de l'argent pour que le gars puisse dire qu'il s'agissait de billets, pas de pièces de monnaie, et il a dit : “Oh, merci & ndash merci. #8221 Et il a dit: “Mec, je suis l'aveugle Willie McTell.” J'ai dit, “Je ne peux pas le croire.Tu es ?” Il a dit, “Oui, c'est ce que je suis.” Et j'ai dit, “J'aimerais t'enregistrer. Je suis d'une maison de disques à New York.

Nous sommes allés au studio le même jour, mais il ne voulait jouer que des chansons gospel. J'ai dit, “Oh, mec, mais nous voulions du blues.” Il a dit, “Eh bien, je ne chante plus de blues, j'ai trouvé Dieu.” J'ai dit, “Mais tu fais de la bonne musique de blues et ce n'est pas une mauvaise chose et si vous pouviez juste chanter du blues. “OK, nous vous appellerons Barrelhouse Sammy.” Nous avons donc fait quelques disques de blues et ils sont sortis sous ce nom jusqu'à sa mort, quand nous les avons sortis avec son vrai nom. Il aurait été criminel de ne pas laisser les gens savoir qui il était.

Quelqu'un a mentionné le professeur Longhair, un chaman musical qui jouait dans un style qui lui était propre. Nous avons demandé autour de nous et nous nous sommes finalement retrouvés [à la Nouvelle-Orléans] en train de prendre un ferry de l'autre côté du Mississippi, à Alger, où un chauffeur de taxi blanc ne nous livrait que jusqu'à un champ ouvert. « Vous êtes seul », a-t-il déclaré en désignant les lumières d'un village lointain. « Je n'entre pas dans cette ville de nègres. » Abandonnés, nous avons marché péniblement à travers le champ, éclairé uniquement par la lumière d'un croissant de lune. Plus nous nous rapprochions, plus le son de la musique lointaine et d'un gros groupe de rock se faisait distinct, le rythme nous excitant et nous poussait en avant.

Finalement, nous sommes tombés sur une boîte de nuit ou plutôt une cabane qui, comme un dessin animé, semblait se dilater et se dégonfler au rythme du rythme. Un grand homme à la porte nous a barré le chemin et nous a dit que nous ne pouvions pas entrer. J'allais dire, "Nous sommes d'Atlantic Records", mais je me suis souvenu que presque personne n'avait même entendu parler d'Atlantic, alors j'ai dit, "Nous sommes de La vie magazine.” Et il a dit, “Oh vraiment ?” J'ai dit, “Ouais &ndash et nous sommes venus pour entendre le professeur Longhair.” Alors le gars a dit, “Eh bien, je ne sais pas pense que tu devrais venir ici.” Alors j'ai dit, “Eh bien, mets-nous dans un coin, cache-nous, nous voulons entendre la musique.” Je veux dire, ça hurlait de là &ndash tambours, un micro au piano et au chant. L'endroit était bondé, les gens traînaient par les fenêtres et tout. Finalement, le gars à la porte a dit : “OK, je peux vous mettre juste derrière le kiosque.

Alors il nous a fait entrer, et beaucoup de gens se sont dispersés parce qu'ils pensaient que la loi était arrivée. On nous a mis dans un coin, et j'ai été étonné de voir qu'il n'y avait pas un groupe complet, il n'y avait même pas de batteur, il n'y avait qu'un seul musicien &ndash Professor Longhair. Il utilisait le piano droit comme clavier et grosse caisse, martelant une plaque de pied avec son pied droit pour garder le temps, jouant deux et quatre contre la chose, créant ces harmonies étranges et larges et chantant dans le style à gorge ouverte du blues crieurs d'autrefois. “Mon Dieu !” dis-je à Herb. « Nous avons découvert un génie primitif. Je n'ai jamais entendu de musique comme celle-là, et je n'ai jamais entendu personne d'autre jouer du piano comme ça à ce jour.

Alors après le set, il est venu et j'ai dit : "Tu sais quoi, tu vas enregistrer pour Atlantic Records". Alors il a dit : "Je suis vraiment désolé, mais j'ai signé avec Mercury en dernier lieu". semaine.” Puis il a ajouté: “Mais j'ai signé avec eux sous le nom de Roeland Byrd. Avec vous, je peux être le professeur Longhair.”

En 1952, nous avons engagé un homme qui allait devenir l'une des personnes les plus importantes dans l'histoire et le développement d'Atlantic Records. Un soir, j'étais chez Herb et Miriam Abramson quand ils ont dit: "Nous devons vous jouer ça", et ils ont mis un disque de Ray Charles. J'ai dit: "Mon Dieu, il est fabuleux!" Ray était sur un label californien du nom de Swingtime, qui appartenait à Jack Lauderdale. À cette époque, j'avais un ami nommé Billy Shaw, qui était un agent qui avait réservé beaucoup de talents R&B. Finalement, il m'a dit : « Regardez, pourquoi ne l'enregistrez-vous pas ? Je serais en mesure de le réserver si vous faisiez de bons disques.” J'ai dit, “Je vous garantis que nous ferons de bons disques avec lui &ndash comment puis-je l'obtenir ?” Il a dit, “Vous achetez le sien Contrat. Lauderdale est prêt à vendre. Il veut 2 500 $.” J'ai dit, “Accord conclu.” Nous avons donc acheté Ray Charles pour 2 500 $.

J'ai écrit “Mess Around” pour lui. On a fait beaucoup d'histoires à propos de ma chanter cette chanson à Ray pour qu'il puisse la mémoriser et obtenir le contretemps. Nous ne faisions que le parcourir, c'est tout. Ce qui était incroyable à propos de cette session, c'est que même si Ray, j'en suis sûr, connaissait le jeu de piano boogie-woogie, il n'avait pas encore entendu Cow Cow Davenport, l'un des pionniers de ce style. Donc, en expliquant « Mess Around », j'essayais de faire comprendre à Ray le phrasé très précis de Cow Cow Davenport, quand il a soudainement dit : « Je sais ça », et a commencé à jouer l'exemple le plus incroyable de ce style de jeu de piano que j'ai jamais entendu. C'était comme assister à la théorie de Jung sur l'inconscient collectif en action et comme si ce grand artiste s'était en quelque sorte branché et était devenu un canal pour toute une culture qui venait de se déverser à travers lui.

1953-1965 : BOBBY DARIN, PHIL SPECTOR ET SOLOMON BURKE’S MAGIC POPCORN

J'AI embauché PHIL SPECTOR COMME ASSISTANT, parce que je pensais qu'il était un gamin très sexy et formidable. Il devait avoir une vingtaine d'années à l'époque et il était vraiment fou, mais charmant, surintelligent et extrêmement doué. Un jour, j'allais voir Bobby Darin et j'ai dit à Phil : "Allez, on y va tous les deux." Bobby avait un immense et magnifique manoir et vivait vraiment la vie d'Hollywood. Nous avons bu quelques verres, et finalement Bobby prend sa guitare et dit : « Je veux que vous entendiez certaines des nouvelles chansons que j'ai écrites. » Alors il commence à chanter : « Jailer, apportez-moi de l'eau. /Le geôlier m'apporte de l'eau/Le geôlier m'apporte de l'eau/’Parce que je pense que je vais mourir/Le geôlier m'apporte … “

Maintenant, je savais que Bobby jouerait douze ou quinze chansons, dont peut-être une serait une possibilité, alors je dis, “C’est formidable.” Puis il joue une autre chanson horrible, et encore une fois je dis, ” 8220C'est formidable. Après environ la cinquième ou sixième chanson terrible, je dis toujours qu'elles sont toutes fabuleuses. Enfin, Phil, que je vois est devenu de plus en plus nerveux, entre par effraction et dit : « Tenez-le, tenez-le. Est-ce que vous plaisantez? Je veux dire, es-tu fou ou suis-je ?! Ces chansons sont de la merde ! ” Alors Bobby dit : “Qui est ce gamin ?” Et Phil dit : “Tu ne peux’ pas enregistrer cette merde !” Et Bobby commence à lui crier dessus pour obtenir le l'enfer hors de sa maison. Alors un peu plus tard, je dois expliquer à Phil une autre façon de faire les choses. Quelques mois plus tard, Bobby vient me voir et me dit : “Ahmet, tu sais que j'aime travailler avec toi, mais peut-être avons-nous besoin de sang neuf. Il y a ce gamin, Phil Spector et pensez-vous que vous pourriez le faire travailler avec nous ?

Solomon Burke jouait à l'Apollo, et Frank Schiffmann, qui le dirigeait, m'a appelé et m'a dit : "Vous savez, nous avons des problèmes avec Solomon et pouvez-vous lui parler ?" J'ai dit : " " #8217 est-ce le problème? Il a dit: "Il vend du pop-corn entre les spectacles, marchant dans les allées avec le Magic Popcorn du Dr Solomon. Nous avons un concessionnaire qui a l'exclusivité du pop-corn dans le théâtre. J'ai donc appelé Salomon et lui ai dit : "Solomon, tu ne peux pas vendre du pop-corn dans ce théâtre, ils ont un contrat avec ce type, et de toute façon, ça a l'air terrible et vous êtes la star du spectacle et vous marchez dans les allées en vendant du pop-corn. #8221 J'ai dit, “Ouais, pop-corn, hot-dogs, ils sont exclusifs.” Il dit, “ont-ils une concession de sandwichs aux côtelettes de porc ?” J'ai dit, “Je ne le fais pas pense que oui. La prochaine chose que je sais, il a installé une petite plaque chauffante dans les coulisses, et il fait frire cette nourriture et vend des sandwichs incroyables aux côtelettes de porc du Dr Solomon.

La FIN des années 60 : ERIC CLAPTON, ARETHA FRANKLIN ET “IN-A-GADDA-DA-VIDA”

Eric avait l'habitude de s'habiller dans ce façon étrange à cette époque. Aretha Franklin enregistrait dans nos studios à Broadway, et Jerry [Wexler] produisait. J'ai dit à Jerry que j'allais faire venir Clapton et peut-être qu'il jouerait et que rien n'était décidé. Alors Clapton et moi sommes entrés, et il était vêtu d'une de ces tenues folles et avait toutes sortes de maquillages étranges sur le visage. Au moment où nous sommes entrés dans le studio, avant même que je puisse le présenter à Aretha, elle l'a regardé et a éclaté de rire. Alors j'ai dit, “Eh bien, quand il commencera à jouer, tu ne vas pas rire.”

Il y avait beaucoup de groupes de rock & amp roll qui jouaient dans les clubs du Sunset Strip. Alors un jour, j'ai demandé à Dewey Martin, le batteur de Buffalo Springfield, qui, à son avis, était le nouveau groupe vraiment chaud. Dewey m'a dit : « Il y a un groupe appelé Iron Butterfly que je trouve génial. Ils ont un guitariste fantastique. Ce guitariste, Danny Weis, créait un gros buzz. Alors je suis allé voir le groupe, et ils étaient super.

Le premier disque qu'ils ont fait était assez bon, mais nous ne l'avons pas trouvé génial. Nous l'avons donc retardé pendant longtemps et nous n'arrêtions pas de dire : "Nous le sortirons le mois prochain". Pendant ce temps, le leader du groupe, le claviériste/chanteur Doug Ingle, m'appelait sans cesse #8220Écoute, mec, quand vas-tu sortir le disque? Je ne peux pas garder les gars ensemble. S'il vous plaît, sortez le disque pour que nous puissions travailler. » Nous avons donc finalement sorti l'album. Il n'a pas frappé tout de suite, mais petit à petit, il a commencé à se vendre beaucoup dans la région de Los Angeles. Nous avons fini par vendre 100 000 ou 150 000 exemplaires. Alors j'ai dit : "Il y a quelque chose ici, nous allons graver un autre album".

Je suis donc allé à Los Angeles pour écouter leurs nouvelles chansons. Mais quand je suis arrivé à la répétition, c'était un groupe totalement différent. Alors j'ai dit : « Qu'est-il arrivé au guitariste ? est terrible, je veux dire le nouveau guitariste & hellip” Et Doug m'a dit, “Eh bien, bien sûr, il ne joue que depuis trois mois.” J'ai dit, “Tu veux dire qu'il est avec le groupe pendant trois mois ?” Il a dit : “Non, il ne joue de la guitare que depuis trois mois.” Et j'ai pensé : “Jésus !” pour un autre album, donc nous n'avions pas vraiment d'autre choix que d'enregistrer le groupe qui était là. Lors d'une session, j'ai regardé un acétate sur lequel quelqu'un avait griffonné "In-A-Gadda-Da-Vida". #8220Oh, c'est une faute d'orthographe et cela devrait se lire "Dans un jardin d'Eden". Quelqu'un a dû se saouler ou quelque chose du genre et réarranger quelques lettres. allaient en Inde et ainsi de suite, alors j'ai dit: “Vous savez, nous devrions laisser les choses telles qu'elles sont. C'est un bon titre, il évoque le sentiment d'une sorte de spiritualité orientale. Le morceau final était donc très long et il y avait ce qui sonnait comme un solo de batterie de Gene Krupa. Mais je vous le dis, ce disque est sorti, et, mec, il semblait que chaque étudiant, comme tout le pays l'avait acheté. C'est devenu le plus gros disque que nous ayons jamais eu jusqu'à ce moment-là et avec un groupe qui apprenait juste leurs instruments.

LES ANNÉES 70 : LES ROLLINGS STONES ET AC/DC

JE SUIS ARRIVÉ À L.A. TT matin, j'ai assisté à de nombreuses réunions et, en fin de journée, j'ai appris que Mick Jagger voulait me parler. Nous nous sommes donné rendez-vous ce soir-là au Whisky, où jouait Chuck Berry. Après plusieurs verres, le décalage horaire faisait des ravages, et au moment où Mick est arrivé, je ralentissais. Chuck hurlait et Mick était assis à côté de moi en disant : « La raison pour laquelle je voulais te voir, Ahmet, c'est parce que notre contrat est terminé, et « , Quelqu'un n'arrêtait pas de me secouer &ndash “C'est important, Ahmet, réveillez-vous, réveillez-vous”&ndash mais j'ai peur de continuer à m'endormir pendant que Mick disait à quel point les Stones étaient intéressés par Atlantic, un label qu'ils admiraient depuis longtemps. Mon insouciance m'a bien servi, voyez-vous, parce que Mick déteste les gens arrogants. Il aimait le fait que je m'endormais face à lui. Il trouve l'indifférence enivrante. Le lendemain, il est venu à mon hôtel et a dit simplement : « Nous ne voulons pas magasiner. Nous voulons être sur l'Atlantique.”

AC/DC a été signé chez Atlantic par Phil Carson dans notre bureau de Londres, et il a fallu un peu de temps pour les casser. La première fois que je les ai entendus, ils jouaient aux CBGB & 8217s, nous venions juste de les signer, et je pense que c'était leur première tournée américaine. Je suis allé dans les coulisses, et c'étaient des petits gosses arrogants. Ils m'ont en quelque sorte mis dans les cordes. Ils n'avaient aucun respect pour les personnes âgées. Quand ils ont terminé leur spectacle, ils étaient tous chiffonnés et en sueur, et quand je suis entré dans la pièce, ils ont tous commencé à rire, et j'ai pensé qu'ils se moquaient de moi. Je pensais : « Mon Dieu, ils doivent penser que je suis un vieux con. Je n'avais pas réalisé que, caché derrière l'un des membres du groupe, le chanteur faisait pipi dans une canette de bière vide, car il y avait pas de salle de bain là-bas.

LES RACINES ET L'AVENIR DE R& B

LA MAJORITÉ AMÉRICAINE la musique est inspirée de la musique noire américaine, de la musique afro-américaine. Ce n'est pas de la musique africaine, et ce n'est pas de la musique américaine et c'est spécifiquement de la musique afro-américaine. Il y avait toujours une sorte de rap. Ce n'est pas seulement quelque chose qui est sorti de nulle part. Autrefois, cela s'appelait "Harlem jive rimant" : les gens inventaient de petites rimes dans la façon dont ils parlaient, une sorte de langage caché branché. Louis Jordan a fait un peu de ça, sur des chansons comme "Saturday Night Fish Fry". la souche la plus forte qu'il y ait actuellement. Mais c'est toujours une excroissance du blues, et le phrasé du blues et du jazz, tel qu'il a été inventé par Louis Armstrong, continue de faire partie de ce que tout le monde fait. C'est ce qui fait du rhythm & blues, de la musique hip-hop, de la dance music et du rock & roll la musique la plus populaire au monde. C'est partout, et il n'y a pas d'autre forme de musique qui ait été aussi forte.

LA PHILOSOPHIE ATLANTIQUE

IL Y A DEUX CHOSES QUI faire un bon disque. Tout d'abord, il faut comprendre un artiste et ndash ce qui l'attire et d'où vient son feu, puis laisser cet artiste s'épanouir. C'est la perception. L'autre chose essentielle dans la production d'un disque est d'apporter à cet artiste toutes ces choses dont vous espérez que la magie évoluera &ndash le matériel, le cadre, l'accompagnement instrumental et ainsi de suite. En fin de compte, vous devez déplacer l'auditeur à un point tel qu'il ou elle doive se lever du lit, marcher dix pâtés de maisons, emprunter vingt dollars à un ami et courir dans un magasin ouvert toute la nuit pour acheter le disque pour entendre encore une fois.


Ray Charles' Atlantic Years : cinq chansons à connaître

Il n'y a pas de meilleur mot pour décrire Ray Charles que "génie". Ce qu'il ne pouvait pas voir dans la vie (le glaucome l'a aveuglé à un jeune âge) lui a en quelque sorte permis de montrer au public du monde entier la puissance et la richesse de la musique soul, appliquée au rock, à la pop, au jazz et même à la country.

Le 26 février, Le meilleur de Ray Charles : les années atlantiques arrive sur vinyle dans le cadre de la campagne du Mois de l'histoire des Noirs de Rhino. Publié à l'origine en 1994, cet aperçu de 20 pistes offre la crème des débuts de Brother Ray en tant qu'interprète, jusqu'à la fin des années 1950.

Si vous souhaitez ajouter celui-ci à votre collection de disques, nous vous proposerons cinq pistes qui en font un incontournable.

"J'ai une femme" (1954)

Construit sur le son gospel que Ray entendrait à la radio lors de sa tournée, "I Got a Woman" est devenu sa quatrième chanson à atteindre le Top 10 de Panneau d'affichageles charts R&B de - et son premier à culminer au n ° 1.

"Noyade dans mes propres larmes" (1956)

Ray était un romantique musical éprouvé, mais cette vitrine bluesy infusée de cors reste l'une des grandes chansons déchirantes de la décennie et un troisième succès R&B n°1. Les chœurs descendants à la fin de la chanson l'auraient inspiré à ajouter des choristes à son concert encensé – mais plus à ce sujet dans un instant.

"Alléluia je l'aime tellement" (1956)

Soutenu par un orchestre à petite échelle sous son propre nom et mettant en vedette un solo de saxophone tueur de Don Wilkerson, ce hit n ° 5 anticipait l'âme swingue polie d'actes comme Sam Cooke dans les années à venir.

"La nuit est le bon moment" (1959)

Au moment où Ray a mis en cire ce numéro blues-soul aux hanches pivotantes, il avait entaillé 15 côtés dans Panneau d'affichage's soul Top 10. Outre les choeurs de l'ensemble nouvellement créé The Raelettes - en particulier la livraison fougueuse de Margie Hendrix, qui Ray a dit un jour "vous fera peur à mort" - "La nuit est le bon moment" a marqué la pause progressive de Ray dans les bords de Panneau d'affichageles charts pop.

"Qu'est-ce que j'ai dit" (1959)

Aurait été fouetté sur scène lorsqu'un spectacle a duré plus longtemps que la set list, "What'd I Say" est devenu les chanson soul de la fin des années 50, équilibrant le blues, le gospel et même les rythmes latins avec une mélodie puissante mettant en vedette des appels et des réponses chargés entre Ray et ses Raelettes.Mais plus qu'un simple hit R&B, ce single a également grimpé dans le Top 10 des charts pop - et à partir de là, aucun genre ou barrière raciale ne pourrait empêcher le génie de Ray d'inspirer les mélomanes du monde entier.


Ray Charles l'a dit, et tout le monde écoutait

"Hé maman, ne me traite pas mal, viens et aime ton papa toute la nuit." En lisant les mots, vous pouvez entendre l'accompagnement irrésistible de Brother Ray Charles‘ piano électrique, sur son tube révolutionnaire ‘What’d I Say.’ Le single Atlantic de 1959 est vraiment l'un des disques phares de l'histoire du R&B, repris sans cesse et de manière fascinante depuis et mérite bien un aperçu et une liste de lecture uDiscover .

Charles avait enregistré des tubes R&B tout au long des années 1950 sans jamais atteindre pleinement le public pop, lorsqu'il a enregistré ‘What’d I Say’ en février 1959 avec le producteur Jerry Wexler. Ray, maintenant âgé de 28 ans et armé d'un public fidèle constitué de pas moins de 16 singles soul du top 10, était prêt à traverser.

Ce qui l'a rendu d'autant plus spontané, c'est que ‘What’d I Say’ est sorti d'une jam session lors d'un concert de Charles. « Il était 1 heure du matin et le propriétaire a dit que nous devions jouer encore dix minutes », se souvient Ray, « alors j'ai juste commencé à jammer et j'ai dit à tout le monde, y compris les Raelettes, de me suivre. Cette confiture est devenue ‘What’d I Say.’

"Par la réaction de la foule, je savais que nous avions quelque chose", a poursuivi Charles. « La foule s'est déchaînée. Nous avons fait irruption à New York quelques semaines plus tard et l'avons coupé. Avant, tout le monde se moquait de moi parce que je jouais du piano électrique. Après ‘What’d I Say,’ ces mêmes chats se précipitaient pour acheter leurs propres pianos électriques.

Sorti en juillet 1959, la chanson est non seulement rapidement devenue son quatrième R&B n°1, mais elle est immédiatement entrée dans le Hot 100 et a passé trois semaines au n°6 en août. Maintenant, Charles côtoyait le top 10 pop avec Elvis Presley, Paul Anka, Ricky Nelson et Duane Eddy.

La chanson entrera au Grammy Hall of Fame en 1990, date à laquelle sa place dans l'histoire de la musique était inébranlable. C'était non seulement grâce à la version définitive de Ray et à son statut alors légendaire, mais aussi à l'extraordinaire gamme de reprises de "What" que je dis " qui a commencé à s'accumuler presque immédiatement.

Même comme Les Beatles ont gagné leurs galons à Hambourg de 1960 à 1962, ils ont transformé la chanson en une partie épique et prolongée de leurs sets. Eddie Cochran enregistré pour une édition de la série radio BBC Club du samedi diffusé au début de 1960, juste un mois avant sa mort. À côté de la carte en Amérique avec une lecture était Jerry Lee Lewis, qui l'a fait sien avec son "Pumping Piano" sur Sun Records en 1961.

La version Killer est passée au n ° 30 et est devenue remarquablement la seule à atteindre les charts britanniques, culminant au n ° 10. Puis la chanson est revenue au Hot 100 fin mars 1962 dans une reprise sur Atco par le tout aussi distinctif Bobby Darin.

Presley lui-même a enregistré ‘What’d I Say’ et l'a sorti en tant que single américain recto-verso avec sa chanson thème de film ‘Viva Las Vegas’ en 1964. La lecture de King a atteint le numéro 21. La même année , Roy OrbisonLa prise de ‘s est devenue la face B de son single ‘Borne On The Wind’, mais n'a été publiée aux États-Unis que sur son album Monument Plus des plus grands succès de Roy Orbison.

Puis, alors que le boom du R&B britannique au milieu des années 1960 a souligné l'influence continue des enregistrements américains sur le mouvement, John Mayall l'a enregistré au printemps 1966 avec un certain jeune guitariste flingueur sur ce qui est devenu connu sous le nom de « Beano Album », Blues Breakers Avec Eric Clapton.

Detroit's Rare Earth, légendaire comme l'un des premiers groupes blancs à signer avec la Motown, a coupé une version rock qui est apparue en 1972 et reste l'interprétation la plus récente de ‘What’d I Say’ pour atteindre le Hot 100 Mais en cours de route, il y a eu aussi des versions par les rouleaux de rock britannique Cliff Richard et, plus tard, Billy Fury, et par des artistes aussi divers que les Ronettes et Johnny Cash et June Carter.

Il y a des prises brillamment bluesy Lightnin’ Hopkins et Freddie King, et une touche de country jazzy dans Willie Nelson‘s enregistrement en direct avec Wynton Marsalis, mettant en vedette Norah Jones. Steve Cropper et Pops Staples lui donnent une âme funky, tout comme Solomon Burke, et ainsi de suite. Quand Ray l'a dit, tout le monde écoutait.

Comparez et contrastez 16 des innombrables versions de ‘What’d I Say’ dans notre liste de lecture uDiscover sur Spotify
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Commentaires:

  1. Roselin

    Un appel contre cela.

  2. Yogor

    Il me semble, qu'est-ce qu'il a déjà été discuté.

  3. Kolichiyaw

    Tout à fait juste! J'aime votre idée. Je suggère de sortir pour la discussion générale.

  4. Cynegils

    Et que ferions-nous sans ta merveilleuse phrase

  5. Dantrell

    Que pouvez-vous ne pas confondre?

  6. Alhwin

    Ce n'est pas comme ça.



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